Przemysł filmowy ewoluował błyskawicznie na przestrzeni wieku. W czasie jego powstania dźwięk na filmie był niemożliwy. Szybko do przodu do 2023 roku i nie tylko studia zawierają dźwięk, ale także mają technologię do tworzenia filmów, jednocześnie uznając, że ich publiczność może i będzie obejmować osoby niepełnosprawne.

XX wiek został w dużej mierze zdefiniowany przez ekscytujące wydarzenia, takie jak kamera i włączenie dźwięku, kładąc podwaliny pod przełomowe wynalazki, szybki rozwój i ekspansje, w których XXI wiek został ozdobiony niesamowitymi filmami i definiującymi epokami, takimi jak Film Noir, francuska nowa fala, nowe kino queer i Blaxploitation.

Bez zbędnych cerereli rozsądnie byłoby zbadać niektóre z najważniejszych elementów techniki, które w dużej mierze przyczyniły się do sukcesu i powabu kinematografii.

13Cyfrowa edycja wideo

11Drukowanie 3D

Od czasu pojawienia się technologii 3D filmowcy potrafili na nowo wyobrazić sobie całe scenografie, postacie i rekwizyty specyficzne dla filmu, nad którym pracują. Druk 3D był ogromną pomocą w tworzeniu ekip projektowych, dostarczając im zasobów niezbędnych do tworzenia modeli skomplikowanej architektury oraz unikalnych garderób i estetyki dla postaci. Po debiucie w mainstreamie w 2005 roku, takie filmy jak Thor i Czarna Pantera zostały docenione za szerokie poleganie na druku 3D. Najbardziej wybitnym przykładem filmu praktycznie zbudowanego na druku 3D jest film Gwiezdne Wojny Rogue One.

10Prewizualizacja 3D

Wizualizacja 3D odnosi się do procesu wyobrażania sobie i planowania scen i sekwencji wydarzeń przed filmowaniem. Powszechnie spotykany w animacjach, grach wideo i projektach fotograficznych, proces ten został akredytowany przez fotografów Ansela Adamsa, Edwarda Westona i Minora White’a.

Komponent 3D pojawił się na początku lat 90., a Park Jurajski był pierwszym filmem, który uwzględnił aspekty filmu. Udana współpraca Stevena Spielberga z Industrial Light and Magic, film jest powszechnie uważany za wyprzedzający swoje czasy ze względu na współpracę z jedną z niewielu firm, które miały dostęp do niezbędnej technologii, która ostatecznie poprawiłaby wrażenia z oglądania dla widzów.

9CGI

Zawsze tak pożyteczne, a ostatnio kontrowersyjne, CGI jest podstawą wśród wytwórni filmowych od początku lat 50. Po raz pierwszy wprowadzony w Vertigo, obrazy generowane komputerowo (CGI) były używane wyłącznie w napisach początkowych. Western science fiction Westworld został wydany w 1973 roku i stał się pierwszym filmem, który wykorzystywał CGI przez cały czas trwania filmu. Biorąc pod uwagę charakter omawianych tematów i zbadane scenerie, CGI przyczyniło się do ogólnej atrakcyjności filmu.

Dopiero w latach 90. CGI stało się bardziej dostępne. Wraz z Internetem, CGI było również dostępne dla każdego, kto ma komputer w domu. CGI zostało użyte do przekształcenia opuszczonego terenu w cudowne, futurystyczne miasta i wyczarowania spokojnych siedz za pomocą aplikacji takich jak Blender. Obecnie wytwórnie filmowe były krytykowane za przesadne poleganie na CGI, poświęcając istotę fabuły filmu w zamian za spektakularne sceny, które tylko naprawdę zmuszają widzów wizualnie.

8VFX

Dodatkowy element procesu tworzenia filmu, oprogramowanie do efektów wizualnych czy VFX wyróżnia się swoją specyfiką. Podczas gdy CGI nie wymaga wyrafinowanego oprogramowania do wyczarowywania obrazów i ruchu, VFX tak, w wyniku czego proces ten odbywa się po postprodukcji. Sam proces odnajduje kompozytorów VFX łączących realistyczne aspekty filmów z efektami specjalnymi, czy to w 2D, 3D, czy w inny sposób.

Filmy uważane za wzorowe, jeśli chodzi o wykorzystanie VFX, to trylogia Matrix i Życie Pi. Oba filmy zachowują równowagę między imponującymi efektami wizualnymi, realistycznymi aspektami swoich światów, a co najważniejsze, intrygującymi fabułami obu filmów.

7Metody dystrybucji

Od debiutu w kinach po przesyłanie do serwisów streamingowych, odliczanie do premiery filmu zmieniło się radykalnie od początku XX wieku. Przed latami 70. filmy były dostępne głównie w kinach, napędzając ogromne tłumy zapalonych fanów, aby oglądać zdjęcia osobiście. Po wynalezieniu magnetofonu (VTR) i magnetowidu (VCR) w latach 50., twórczość kina ewoluowała, inicjując erę fizyczną. Filmy takie jak Król Lew odniosły rekordowy sukces po premierze na VHS.

VHS, obok DVD, byłby głównym formatem konsumpcji filmu aż do wynalezienia kina cyfrowego pod koniec lat 90. Za pierwszy film, który ukaże się cyfrowo, uchodzi The Last Broadcast, który ukazał się 23 października 1998 roku. Ponieważ Apple chce zdigitalizować przemysł rozrywkowy, filmy można znaleźć na iTunes, podobnie jak single i albumy.

Wraz z pojawieniem się platform takich jak Netflix, era streamingu wzniesie filmy na nowy poziom, zapewniając widzom możliwość pozostania w domu i oglądania jednych z największych filmów roku, niedocenianych arcydzieł i przeoczonych wydań. Interaktywne formaty wideo były dostępne w sieci, ale wraz z wydaniem filmów takich jak Bandersnatch, widzowie mogli zanurzyć się w znanej już franczyzie i aktywnie decydować o trajektorii swoich bohaterów.

6Kamera

Kamera jest najważniejszym narzędziem do filmowania, na przestrzeni lat kamera przeżyła znaczącą serię ewolucji, które z kolei zrewolucjonizowały przemysł filmowy na niezliczone sposoby.

Wzrost jakości materiału jest tego wyraźną oznaką, jednak technologia oddzielająca zoopraxiscope z 1879 roku od Betamax jest tematem o wiele bardziej złożonym, niż można by sądzić. Pierwszy film został uchwycony w 1888 roku po owocnej współpracy Eadwearda Muybridge’a i Thomasa Edisona. Po przybyciu z własnym zoopraksyskopem, Muybridge i Edison uznali, że najlepiej sparować go z fonografem tego ostatniego. Ostatecznym rezultatem był Plate 626, klip z Animal Locomotion Muybridge’a, który był kluczowym elementem najnowszego cudu Jordana Peele’a, Nope.

Współczesne przykłady popularnych kamer to „Arri Alexa” i „Sony Venice”. Obie zostały docenione za wysoką rozdzielczość, zapewniając ekipie filmowej i widzom wyraźny obraz.

5Proces Schüfftana

Unikalny proces montażu, który zdefiniował serię filmów Alfreda Hitchcocka, znalazł swoje opodenowanie pod koniec lat 20. Nosząc imiennika swojego wynalazcy, Eugena Schüfftana, Proces Schüfftana łączy kamerę z lustrem ustawionym pod kątem, aby połączyć prawdziwą scenerię z powierzchnią odblaskową.

Metropolis był pierwszym filmem, w którym uwzględniono tę technikę, jednak inne godne uwagi przykłady to Człowiek, który wiedział za dużo i Szantaż. Ze względu na połączenie scen Proces Schüfftana jest w dużej mierze postrzegany jako prekursor stosowania mat w filmie.

4Compositing

Podczas gdy drukowanie 3D i VFX są składnikami komponowania, akt komponowania jest definiowany jako biorąc odrębne, wizualne aspekty z różnych źródeł i łącząc je w jeden film. Ze względu na swoją skuteczność, komponowanie jest w dużej mierze postrzegane jako podstawa nowoczesnej rozrywki i transmisji. Sieci informacyjne łącą nagłówki, klipy wideo i wywiady, aby jak najlepiej zaprezentować swoim odbiorcom najświeższe wiadomości, dać przestrzeń dla korespondentów gościnnych i ostatecznie przekonać widzów do uznania i zainwestowania w odpowiednie historie dnia.

3Blue Screen

Najpopularniejszymi formatami kompozycji są niebieskie i zielone ekrany, inaczej znane jako klawisz chroma. Zazwyczaj, używane przede wszystkim do filmowania aktorskiego, ekrany pozwalają na narzucenie przez produkcję wizualizacji na tło danej sceny, oferując realistyczne oprawy, w której widzowie mogą sobie pozwolić, a aktorzy przy kręceniu.

Niebieski ekran został wynaleziony w latach 30., a konkretnie przez RKO Radio Studios, które wykorzystywało niebieski ekran w produkcjach takich jak Flying Down To Rio (1933). Larry’emu Butlerowi przypisywano również popularyzację niebieskiego ekranu filmami takimi jak Złodziej z Bagdadu (1940), gdzie techniką tę wykorzystano do zobrazowania dżina uciekającego z butelki.

2Green Screen

Niebieski ekran byłby dominującym narzędziem do komponowania aż do produkcji Mary Poppins. Zmotywowany do rozwoju istniejącej technologii, Disney zatrudnił Petro Vlahosa, inżyniera i wynalazcę. Zamiast używać niebieskiego ekranu, zdecydował się na użycie żółtego ekranu, naśladując kolor gazu sodowego, z którym często pracował. Po serii udoskonaleń żółty ekran wkrótce stał się powszechnie rozpoznawalnym zielonym ekranem.

Wraz z wczesnym sukcesem, branża zdecydowała się na zieleń, ponieważ większość meteorologów nosiła niebieskie garnitury. Co więcej, zielony ekran był o wiele bardziej idealny do filmowania na świeżym powietrzu, ponieważ błękitne niebo komplikowałoby filmowanie na niebieskim ekranie. Mimo popularności zielonego ekranu proces ten wyróżnia się również trudnością. Kwestie takie jak nadmierna ekspozycja, nierówne oświetlenie i kostiumy mogą zagrozić wykonalności filmowania.

1Renderowanie w czasie rzeczywistym

Z początkami świata gier, renderowanie w czasie rzeczywistym zostało przez wielu zauważone jako przełom w branży filmowej. W porównaniu do zatłoczonego procesu CGI, renderowanie w czasie rzeczywistym oferuje studiom filmowym szybszą alternatywę. Nie tylko sam proces jest o wiele bardziej wydajny, ale renderowanie w czasie rzeczywistym stanowi również podstawę ekscytującej współpracy z innym oprogramowaniem i efektywnej edycji scen.

Najlepsze przykłady filmów, które eksperymentowały z renderowaniem w czasie rzeczywistym, to Avatar i Księga dżungli, przy czym obie produkcje wykorzystują aspekty renderowania w czasie rzeczywistym do tworzenia fascynujących światów, takich jak Pandora, wzbogacając i tak ekspansywną lokację danego filmu i zapewniając ponętną grafikę.